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Come può lo smalto rivoluzionare i vostri progetti di gioielleria: Vantaggi, tecniche e applicazioni?
Il rapporto tra smalto e design dei gioielli
Ciondolo "Feuerriff
Indice dei contenuti
Sezione I Vantaggi e svantaggi della tecnica dello smalto
Dalla definizione di smalto artigianale riportata nell'articolo precedente, lo smalto e il metallo devono fondersi in un unico corpo dopo la cottura ad alta temperatura per essere chiamati smalti; in altre parole, lo smalto dipende dal metallo per esistere. Ciò determina la necessità di combinare lo smalto con i gioielli. Lo smalto stesso ha proprietà di resistenza alle alte temperature, resistenza all'ossidazione e colore duraturo, caratteristiche che rendono possibile la sua combinazione con i gioielli. Al di là della possibilità e della necessità, i vari colori, la brillantezza e la consistenza dello smalto gli conferiscono una posizione unica nella gioielleria.
In qualsiasi epoca, lo smalto sui gioielli è sempre un elemento di design attraente. Quando un gioiello utilizza le tecniche dello smalto, lo sguardo dell'osservatore viene invariabilmente attratto e si sofferma su di esso. Anche chi non ha familiarità con l'artigianato dello smalto rimane stupito dai suoi colori incantevoli e dalla sua lucentezza simile a quella delle gemme. Il motivo per cui lo smalto è così attraente e incarna una bellezza distinta è che il processo di smaltatura stesso possiede alcuni vantaggi unici e insostituibili.
(1) Lo smalto e il metallo vengono cotti insieme a temperature superiori a 700°C, legandosi molto saldamente e resistendo al distacco; per questo motivo alcuni pezzi smaltati possono conservare l'aspetto che avevano quando sono stati realizzati secoli fa.
(2) Poiché il componente base dello smalto è il biossido di silicio, simile al componente base del vetro, lo smalto cotto diventa vetroso, resistente agli acidi e agli alcali e non si ossida.
(3) Dopo la cottura, la superficie dello smalto è dura e ha una lucentezza simile al vetro.
(4) Gli smalti sono disponibili in un'ampia gamma di colori, trasparenti, opachi, perlescenti, ecc.
(5) Esistono molti tipi di tecniche di smalto; tecniche diverse producono effetti visivi diversi e più tecniche possono essere combinate in un unico pezzo per ottenere risultati più ricchi. Pertanto, l'uso della tecnica dello smalto non solo amplia le possibilità di design, ma può anche aumentare notevolmente il valore artigianale di un gioiello.
I vantaggi sopra menzionati sono il motivo per cui artisti e artigiani amano utilizzare la tecnica dello smalto nelle loro opere. Tuttavia, per la progettazione e la produzione di gioielli, la tecnica dello smalto ha anche i suoi "punti deboli", ovvero alcuni inconvenienti che aumentano la difficoltà di produzione e influiscono sul risultato finale.
(1) Le opere che richiedono la cottura devono avere tutte le strutture di saldatura completate prima della cottura dello smalto. Una volta che le aree smaltate sono state cotte, nessuna parte del pezzo può essere saldata con una fiamma aperta; in caso contrario, lo smalto cotto si crepa o si scolorisce. Se si verifica un problema con un'area saldata dopo la cottura, è possibile ripararla solo con la saldatura a punti laser, che presenta di per sé notevoli limitazioni; inoltre, i pezzi preparati per la cottura a smalto richiedono saldature ad alta temperatura quando si saldano le strutture metalliche, e i giunti di saldatura devono essere molto sicuri per resistere alle alte temperature durante la cottura.
(2) Le saldature utilizzate per la saldatura hanno un forte impatto sullo smalto. I residui di saldatura sulla superficie metallica possono causare cambiamenti di colore nello smalto, creare bolle nello smalto o addirittura causare crepe. La Figura 10-1 mostra il retro di un pezzo, dove lo smalto intorno ai giunti di saldatura è diventato nero a causa dell'influenza della saldatura. Pertanto, quando si saldano parti metalliche, le tecniche di saldatura devono essere pulite e ordinate; nessun residuo di saldatura deve rimanere sulla superficie metallica al di fuori del cordone di saldatura. Se si osserva una piccola quantità di residui di saldatura, è necessario pulirla con una fresa prima di cuocere lo smalto.
(3) La composizione di base dello smalto è simile a quella del vetro, quindi anche il peso dopo la cottura è simile a quello del vetro. Poiché sia il fronte che il retro di un pezzo richiedono la tecnica dello smalto, questo aumenta ulteriormente il peso finito. Poiché i gioielli sono ornamenti che si indossano sul corpo, è necessario considerare il comfort, quindi il peso dello smalto è un problema per i gioielli. I designer devono tenerne conto in fase di progettazione, riducendo l'area di smalto o diminuendo il numero di strati di smalto per minimizzare il peso del pezzo.
(4) Sebbene lo smalto abbia una durezza superficiale relativamente elevata, la sua resistenza agli urti è molto bassa; è un materiale duro e fragile. Pertanto, per i modelli di gioielli che includono lo smalto, le parti metalliche devono essere protette per evitare il rischio di scheggiature.
(5) Il processo della tecnica dello smalto è relativamente complesso; più complesso è il processo, più lunghi sono i tempi di produzione e più alti i costi di produzione. Inoltre, il processo di smaltatura non è completamente controllabile e il tasso di insuccesso durante la produzione è relativamente alto, il che aumenta ulteriormente i costi. Soprattutto, il processo di smaltatura non è in grado di riprodurre sempre lo stesso colore o lo stesso effetto, per cui se un prodotto richiede un alto grado di standardizzazione, è difficile ottenere una vera produzione di massa.
Ogni tecnica presenta aree in cui è superiore ad altre, così come punti deboli. Uno scopo importante dello studio di una tecnica è quello di comprenderne appieno i punti di forza e di debolezza, in modo da poterne sfruttare appieno i vantaggi nella progettazione e nella produzione ed evitare o attenuare i potenziali problemi. Si tratta di un processo che richiede un accumulo a lungo termine e ripetute prove ed errori nel funzionamento pratico, ma anche un processo di accumulo di esperienza molto preziosa.
Sezione II Modi di combinare lo smalto con le parti metalliche
Se un'opera d'arte richiede l'uso di tecniche di smaltatura, è necessario considerare in anticipo molti dettagli del processo, tra cui la struttura, il peso e le procedure. Ogni piccola svista può causare una serie di problemi durante la fabbricazione e la produzione, con conseguente spreco di materiali e di tempo.
In generale, l'incollaggio dello smalto ai componenti metallici può essere realizzato nei seguenti modi.
(1) Cottura dello smalto direttamente sulla parte metallica. Se un gioiello enfatizza i componenti metallici, con una piccola area di smalto che serve solo come accento o decorazione all'interno dell'intero pezzo, il creatore sceglierà tipicamente di cuocere lo smalto direttamente sulla parte metallica già completata, come nel lavoro mostrato nella Figura 10-2.
Supponiamo che un pezzo grezzo artigianale debba essere smaltato in un secondo momento. In questo caso, la saldatura è più impegnativa: è necessario che la superficie metallica sia completamente priva di residui di fondente, in modo da non alterare il colore dello smalto, e che tutte le giunzioni siano saldate in modo molto solido per resistere alle alte temperature, superiori ai 700 gradi Celsius, necessarie per la cottura dello smalto. Se il corpo metallico del gioiello viene prodotto per fusione, si possono evitare i potenziali problemi causati dalla saldatura.
Tuttavia, poiché i pezzi fusi sono realizzati in lega, durante la cottura dello smalto tendono a verificarsi vari problemi. Ad esempio, la formazione di bolle sulla superficie del metallo: la porzione di metallo mostrata nella Figura 10-3 ha sviluppato una superficie ruvida e piena di bolle dopo una sola cottura a secco in forno. Un altro problema comune sui pezzi fusi è il mancato legame locale del metallo con lo smalto; l'opera mostrata nella Figura 10-4 presenta un'area in cui lo smalto si stacca sempre. A volte i difetti di fusione della base metallica causano uno scolorimento localizzato dello smalto dopo la cottura o un colore non uniforme dello smalto sul pezzo. Questi problemi sono tutti dovuti all'inevitabile presenza di impurità o alla distribuzione non uniforme dei diversi metalli.
Figura 10-3 Irruvidimento della superficie metallica e bolle causate da difetti di fusione
Figura 10-4 Distacco locale di smalto causato da difetti di fusione
(2) Fissare le parti smaltate alla struttura metallica mediante incastonatura. Supponiamo che un gioiello sia composto principalmente da parti in smalto. In questo caso, significa che durante la produzione è necessario dare la massima priorità ai requisiti della tecnica di smaltatura, per evitare incidenti che potrebbero compromettere la cottura dello smalto, come residui di saldatura o impurità nelle fusioni. In questi casi, di solito il produttore cuoce le parti di smalto separatamente e poi le incastra nella struttura principale, trattando di fatto i pezzi di metallo smaltato cotto come se fossero pietre preziose. Tuttavia, rispetto alle pietre preziose, i pezzi di smalto hanno di solito aree più ampie e un peso maggiore, per cui di solito si utilizzano incastonature a castone o a rebbi; le tecniche di incastonatura di piccole pietre, come l'incastonatura a taglio vivo o l'incastonatura a zingara, non sono adatte allo smalto.
Da quanto detto, i metodi principali per incastonare lo smalto sono l'incastonatura a castone, l'incastonatura a rebbi e le combinazioni dei due.
L'incastonatura a castone è il metodo più comune per incastonare le opere in smalto, perché il castone protegge bene la superficie dello smalto. La Figura 10-5 mostra un pendente dell'artista lettone Sergejs Blinovs, che utilizza un'incastonatura a castone per fissare la parte in smalto.
Il vantaggio delle incastonature a rebbi è che coprono una parte minore del pezzo, consentendo di presentare in modo più completo la lavorazione dello smalto. Inoltre, le incastonature a griffe offrono una maggiore flessibilità e possono accogliere opere di forme diverse. La Figura 10-6 mostra un pendente dell'artista canadese Aurelie Guillaumede, che utilizza incastonature sia sul fronte che sul retro per fissare le sezioni di smalto del pezzo.
Uno degli inconvenienti delle incastonature è che offrono una protezione relativamente scarsa per lo smalto, per cui alcuni produttori combinano incastonature a castone e incastonature a castone. In questo caso, i piccoli segmenti di metallo che si trovano tra i tagli vengono spinti verso l'interno e fungono da punte; in questo modo si protegge lo smalto e si massimizza la visualizzazione dell'intero aspetto dello smalto, rendendo la forma complessiva del pezzo più completa. La Figura 10-7 mostra opere in smalto cloisonné dell'artista americana Sue Szabo; il metodo di incastonatura utilizzato in questi pezzi è una combinazione di incastonatura a castone e a rebbi.
Oltre ai metodi sopra menzionati, alcuni artisti dello smalto utilizzano le incastonature posteriori per risolvere i problemi di incastonatura, posizionando castoni o rebbi sul retro del pezzo per garantire che la parte anteriore rimanga bella e intatta.
Figura 10-6 Ciondolo
Figura 10-7 Smalto cloisonné
(3) Utilizzare rivetti o viti per fissare le parti smaltate alle parti metalliche. Oltre ai comuni metodi di incastonatura, si possono utilizzare rivetti o viti per unire e fissare le porzioni di smalto alle parti metalliche dei gioielli. Entrambi i metodi richiedono di lasciare dei fori nella base metallica per i rivetti o le viti prima della cottura dello smalto. Durante il processo di cottura, fare attenzione a non lasciare che lo smalto fluisca nei fori riservati; dopo la cottura, fare molta attenzione quando si rivettano o si avvitano per evitare di danneggiare la superficie dello smalto. Ad esempio, negli orecchini illustrati nella Fig. 10-8, la parte emisferica in smalto cloisonné è collegata al corpo principale dal retro con piccole viti.
Sezione III L'applicazione delle tecniche di smalto in gioielleria
La gioielleria è una categoria molto ampia. Dal punto di vista professionale, i gioielli possono essere suddivisi in gioielli commerciali, gioielli su misura di alta gamma, gioielli d'arte moderna e così via.
(1) La gioielleria commerciale si riferisce specificamente a pezzi progettati e prodotti con l'obiettivo di vendere al mercato e ai consumatori di massa; essa comprende sia articoli artigianali che prodotti in fabbrica. I materiali utilizzati sono per lo più oro e argento, pietre preziose o semipreziose, e le tecniche scelte devono tenere conto dei rapporti tra costi e profitti e dell'idoneità alla produzione di massa.
(2) I gioielli su misura di alta gamma si riferiscono a gioielli di alta gamma disegnati su misura da marchi di lusso per clienti privati; i materiali scelti sono spesso metalli preziosi costosi e pietre preziose di alto livello e, di conseguenza, i gioielli su misura di alta gamma richiedono standard di artigianalità molto elevati.
(3) Esiste un'altra categoria di gioielli piuttosto particolare, chiamata "gioielli d'arte moderna". I gioielli d'arte moderna si distinguono dalla nozione tradizionale di gioielleria: il loro design e la loro creazione non sono finalizzati alla vendita sul mercato, né seguono necessariamente le regole estetiche tradizionali, ma mettono in risalto l'espressione personale dell'artista o del designer. Rispetto alla gioielleria commerciale e all'alta moda, i temi e i materiali della gioielleria d'arte moderna sono quasi privi di regole e il comfort nell'indossarli non è necessariamente una considerazione primaria (questo punto rimane controverso). I creatori di gioielli d'arte moderna sono spesso artisti indipendenti, designer freelance o docenti e studenti di corsi di gioielleria.
Tra queste categorie di gioielli, la tecnica dello smalto è più frequentemente utilizzata, senza badare a spese, nella gioielleria su misura di alto livello e nella gioielleria d'arte moderna; per la gioielleria commerciale, la tecnica dello smalto è troppo costosa, produce un profitto limitato e non è adatta alla produzione di massa.
Di seguito vengono illustrate le applicazioni della tecnica dello smalto rispettivamente nella gioielleria su misura di alta gamma e nella gioielleria d'arte moderna.
1. Tecniche di smaltatura nella gioielleria su misura di alta gamma
Fin dalla nascita delle tecniche di smaltatura, si è trattato di processi rari e costosi, inadatti alla produzione di massa e alla gioielleria destinata al consumo popolare - le caratteristiche tecniche dello smalto stesso lo determinano.
I pezzi di cloisonné cinesi nel nostro Paese sono un'eccezione: dalla fondazione della Repubblica Popolare fino agli anni '90, hanno raggiunto per breve tempo una produzione di massa e prezzi relativamente accessibili. Tuttavia, questo approccio ha fatto sì che il design e la produzione non fossero più completamente controllati da artigiani qualificati, consentendo l'ingresso sul mercato di prodotti grossolani e di qualità inferiore e causando la caduta dell'industria del cloisonné dopo gli anni Novanta. Con la recente enfasi nazionale sulla conservazione del patrimonio culturale immateriale, alcuni artigiani tradizionali hanno iniziato a riadattare il posizionamento di mercato del cloisonné, a riscoprire e organizzare le tecniche tradizionali e a ottimizzare il design e l'artigianato per ripristinare lo status artigianale del cloisonné. Di conseguenza, negli ultimi anni sono gradualmente riemersi alcuni eccellenti marchi di cloisonné e prodotti di alta qualità.
Attualmente, la maggior parte dei prodotti cloisonné nel nostro Paese è costituita da pezzi decorativi di grandi dimensioni; gli articoli in smalto ad alta temperatura nel campo della gioielleria sono relativamente rari. I gioielli in smalto che spesso si vedono e che presentano un'affascinante lavorazione a smalto tendono a essere pezzi da museo o modelli in edizione limitata realizzati da grandi marchi di gioielleria.
Di seguito sono riportati alcuni noti pezzi in smalto di marchi di alta gioielleria.
L'orologio Lady Arpels Ballerine Enchantée di Van Cleef & Arpels (vedere le immagini sulla pagina degli smalti del sito ufficiale di Van Cleef & Arpels Cina) utilizza le tecniche dell'oro bianco K e dello smalto guilloche. Lo sfondo utilizza lo smalto guilloche per creare motivi strutturati su una base in oro bianco K, quindi lo smalto trasparente blu-viola viene cotto, producendo effetti ricchi, strutturati e riflettenti. Il vestito della fata utilizza la tecnica dello smalto champlevé.
Il bracciale Croisillon in smalto bianco di Tiffany & Co. (Schulmberger) (vedere le immagini sul sito ufficiale di Tiffany Co. Schulmberger) è realizzato con smalto bianco su oro 18 carati. Questa serie di braccialetti in smalto è stata lanciata per la prima volta nel 1962, su disegno di Jean Schulmberger, utilizzando oro 18 carati, diamanti e tecniche di smaltatura. Jean Schulmberger prediligeva motivi naturali vivaci come la vita marina, le piante, i pesci e gli uccelli, e lo smalto si prestava bene a rappresentare questi temi, una tecnica che utilizzava spesso.
Gli orologi da tasca in smalto di Patek Philippe utilizzano spesso smalti dipinti sia sulla cassa che sul quadrante, ovvero un motivo in smalto dipinto sul quadrante e un motivo diverso sulla cassa. Le decorazioni in smalto dipinto di Patek Philippe sugli orologi da tasca sono squisitamente realizzate, ricche di dettagli e delicatamente armonizzate nei colori. Sul sito ufficiale di Patek Philippe in Cina, c'è una pagina chiamata "Rare Handcrafts Collection" che include una sezione dedicata agli smalti, dove è possibile vedere gli orologi da tasca decorati con smalti dipinti.
La Figura 10-9 mostra un anello in smalto prodotto dal marchio russo di gioielli Ilgiz F. Il marchio è stato fondato nel 1992 dal gioielliere russo Ilgiz Fazulzyanov. Ilgiz Fazulzyanov è coinvolto personalmente in ogni fase, dalla progettazione alla produzione; è abile nell'utilizzare diverse tecniche di smalto nei suoi pezzi e abile nel combinare vari metodi di lavorazione dei metalli.
Ad esempio, nell'anello in smalto mostrato nella Figura 10-10, sono state utilizzate diverse tecniche di smaltatura in base alle esigenze del progetto, tra cui lo smalto champlevé, lo smalto plique-à-jour e lo smalto dipinto. Queste tecniche si fondono in modo estremamente naturale, senza alcuna sensazione di eccesso. Le opere di Ilgiz F. combinano perfettamente la massima bellezza formale, la struttura intricata e la superba maestria artigianale, dimostrando l'eccezionale controllo del designer.
Le tecniche di smaltatura sui gioielli su misura di alta gamma diventano spesso il punto forte dell'intero pezzo. Lo smalto, con i suoi colori e le sue texture insostituibili e le sue qualità artistiche uniche, è una delle tecniche preferite da molti designer. Grazie ad essa, i designer possono esprimere più liberamente i soggetti preferiti, dare forma a stili di design distintivi e portare un'aria fresca e romantica alla gioielleria su misura tradizionale e vincolata a regole.
Figura 10-9 Anello di smalto prodotto da Ilgiz F.
Figura 10-10 Anello di smalto prodotto da Ilgiz F
2. Tecniche di smaltatura nella gioielleria d'arte moderna
La gioielleria d'arte moderna si differenzia da quella tradizionale perché si concentra principalmente sull'espressione personale dell'artista o del designer. I metalli preziosi e le pietre preziose comunemente utilizzati nella gioielleria tradizionale impongono molte limitazioni al design e non sono sufficienti a trasmettere appieno le emozioni sottili e complesse dei designer; sono inoltre meno adatti alla narrazione di storie o situazioni e spesso limitano la libertà creativa. La tecnica dello smalto, invece, offre grande plasticità e libertà creativa, e i pezzi finiti hanno una resistenza e una durata ideali, che la rendono adatta alla creazione di gioielli d'arte moderna. Inoltre, i gioielli d'arte moderna sono spesso creati come pezzi unici piuttosto che prodotti in serie, il che si allinea al fatto che la tecnica dello smalto non può riprodurre sempre lo stesso colore o effetto. Poiché i gioielli d'arte moderna sono tipicamente pezzi unici, il costo relativamente elevato della tecnica dello smalto diventa accettabile. Pertanto, la tecnica dello smalto è una tecnica spesso adottata nel campo della gioielleria d'arte moderna.
Gli artisti che lavorano liberamente con la tecnica dello smalto si dividono generalmente in due tipi: tradizionali e sperimentali d'avanguardia. Gli artisti tradizionali si concentrano maggiormente sull'utilizzo di tecniche di smalto classiche, cercando di mettere in evidenza l'eccellenza degli smalti e della tecnica artigianale dello smalto nelle loro opere; il loro stile visivo tende all'estetica e lo stile complessivo dei loro gioielli si avvicina di più alla gioielleria tradizionale. Gli artisti sperimentali d'avanguardia, invece, realizzano opere più moderne nella forma e nella struttura. Non si accontentano dei materiali e delle tecniche tradizionali, né danno priorità esclusivamente alla bellezza e all'indossabilità; pongono invece maggiore enfasi sulla trasmissione di concetti. La tecnica dello smalto nelle loro opere spesso sfrutta abilmente l'imprevedibilità, la contingenza e la natura sperimentale del processo di smaltatura, utilizzando persino alcuni difetti che si verificano durante la cottura tradizionale per ottenere effetti molto particolari. In questo modo, la presentazione della tecnica dello smalto nei loro pezzi si differenzia notevolmente da quella della gioielleria tradizionale: i creatori non si concentrano più solo sulla cottura dello smalto fino a raggiungere lo stato più completo e perfetto, ma mantengono molti effetti speciali accidentali e giocosi, tra cui effetti cromatici insoliti e texture superficiali uniche, ampliando così la capacità espressiva della tecnica dello smalto.
I seguenti artisti appartengono alla tipologia tradizionale. Da molti anni si dedicano alla creazione di gioielli in smalto cloisonné. Questi artisti hanno in comune l'estrema abilità artigianale, la capacità di controllare con precisione i colori degli smalti e l'attenzione alla perfetta presentazione dello smalto stesso.
Don Viehman è uno smaltatore americano. Da quando ha iniziato a sperimentare il cloisonné nel 1979, ne ha fatto la sua principale direzione creativa e vi ha investito grande passione. Le opere di Don Viehman sono generalmente realizzate creando disegni in oro 24 carati su una base d'argento, poi riempiti con smalti trasparenti e semitrasparenti. Utilizzando gradienti tra i diversi colori e stratificando ripetutamente più mani sottili di smalto, crea ricchi rapporti cromatici e meravigliosi effetti di luce e ombra. Don Viehman è particolarmente abile nel produrre transizioni fluide tra i colori, creando un senso di profondità spaziale attraverso i contrasti tra luce e buio e tra luce e ombra. Le figure 10-11 mostrano una delle sue tappezzerie decorative in smalto cloisonné; questo pezzo rende molto evidente il senso dello spazio. Le figure 10-12 mostrano una spilla in smalto cloisonné; da quest'opera si può notare come Don Viehman utilizzi la gradazione dei colori per gestire le complesse strutture di un volto umano.
Figura 10-11 Appendiabiti decorativi in smalto cloisonné
Figura 10-12 Spilla in smalto cloisonné
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È anche molto abile con i rossi e i neri. Ad esempio, nella spilla mostrata nella Figura 10-14, l'immagine è un primo piano della testa di una tigre, con quasi tre quarti dell'area riempita di toni rossi ricchi e saturi, accentuati da strisce nere e pelliccia bianca, creando contrasti di rado e denso, semplice e complesso, realistico ma artistico.
Oltre a padroneggiare con sicurezza le tecniche di smalto, Merry-Lee Rae presta grande attenzione all'estetica complessiva di un pezzo. Nel ciondolo intitolato "New Octopus", illustrato nella Figura 10-15, il motivo centrale è un polpo che agita i suoi tentacoli, resi in colori viola leggermente cangianti; il supporto metallico sotto il ciondolo è formato da linee curve, una delle quali è trattata come un tentacolo di polpo che si estende verso l'esterno della forma principale; un granato incastonato sotto il ciondolo riprende i colori del motivo centrale. L'intera opera sembra coesa, come se respirasse dolcemente a un ritmo condiviso.
Figura 10-14 Spilla
Figura 10-15 Ciondolo "Nuovo polipo"
Jean Francois Dehays è un artista dello smalto che vive attualmente a Limoges, in Francia, e che lavora professionalmente nella tecnica dello smalto da molti anni, ricoprendo in passato la carica di presidente dell'Associazione Artigiana dello Smalto di Limoges. Le sue opere mostrano varie tecniche di smalto, come lo champlevé, il basse-taille e lo smalto cloisonné. La Figura 10-18 mostra un pannello decorativo in smalto champlevé di Jean Francois Dehays, raffigurante cacciatori che cacciano un cinghiale in una foresta. Questo pannello decorativo utilizza la tecnica dell'acquaforte champlevé, con colori vivaci e forti contrasti, e l'immagine emana un'atmosfera innocente e semplice.
Jean Francois Dehays ama molto creare piccoli pannelli smaltati che riflettono la vita quotidiana; la Figura 10-19 è un altro pannello decorativo in smalto cloisonné da lui creato, anch'esso raffigurante una scena di vita rurale. L'immagine mostra una scena comune della campagna francese: pecore sull'erba. In questo dipinto a smalto, l'artista utilizza le tecniche del cloisonné e della basse-taille: l'area erbosa viene prima testurizzata nella base metallica e poi cotta con smalti trasparenti per creare un effetto screziato sul manto erboso, mentre per formare la lana delle pecore, realistica e decorativa, vengono utilizzati fili corti piegati irregolarmente. Rispetto agli artisti presentati in precedenza, l'approccio creativo di Jean-François Dehays è più libero e robusto, in relazione alla sua lunga vita in campagna; le sue opere trasmettono il tempo libero e la gioia della vita rurale francese.
Figura 10-18 Pittura decorativa a smalto champlevé
Figura 10-19 Pittura decorativa con smalto cloisonné
L'artista britannica dello smalto Ruth Ball utilizza spesso le tecniche del cloisonné e dello smalto basse-taille nelle sue opere. I suoi pezzi comprendono gioielli, oggetti per la tavola, appendimenti da parete e vasi, opere d'arte orientate all'esposizione e ispirate alle sue osservazioni e sensazioni sulla vita. Che si tratti di forme, colori o elementi simbolici, le opere sono tutte riconducibili alle emozioni che il mondo esterno suscita nell'artista. Senza eccezioni, le sue opere adottano contorni esterni estremamente semplici, contrastati da texture superficiali riccamente trattate e dai colori sobri dello smalto.
Le figure 10-21 e 10-22 mostrano opere della serie "Coastline": "Midnight and Mist" e "Long Pebble". In questa serie, l'artista scolpisce a mano texture delicate e dense in lastre d'argento per imitare le striature naturali delle conchiglie, quindi le ricopre con smalti blu-viola che passano uniformemente dal profondo al chiaro. L'effetto è sobrio e stimolante, come dice la stessa artista Ruth Ball: "Le piccole cose diventano preziose grazie a ricordi ed emozioni uniche, così come la superba maestria artigianale e il design intelligente conferiscono alle opere di forma semplice un valore incommensurabile".
Figura 10-21 Serie "Coastline" "Mezzanotte e nebbia"
Figura 10-22 Serie "Linea di costa" "Ciottoli lunghi
Figura 10-23 Città X
Figura 10-24 Ciondolo invernale
Gli artisti presentati qui sopra sono tutti smaltatori di fama internazionale che creano opere in smalto da molto tempo. Si riferiscono ai loro pezzi come smalti d'arte moderna per distinguerli dagli smalti realizzati interamente secondo i metodi tradizionali, ma in realtà la loro pratica segue ancora rigorosamente le tecniche di smalto tradizionali, con la perfezione tecnica come obiettivo importante.
Tra gli artisti indipendenti dello smalto ci sono anche quelli desiderosi di sperimentare nuove direzioni, che possiamo definire sperimentatori d'avanguardia. Le tecniche di smaltatura utilizzate nelle opere di questi artisti, sia per il metodo che per la presentazione, differiscono notevolmente dall'artigianato tradizionale dello smalto. Le opere assumono forme più libere e presentano un effetto più leggero e rilassato. Dalle opere, è chiaro che questi artisti perseguono la varietà e la serendipità dello smalto; il rapporto tra smalto e metallo e i contrasti tra smalto e altri materiali sono elementi che amano sfruttare. In questi pezzi, l'approccio improvvisato della gioielleria d'arte moderna, la sua originalità e l'imprevedibilità delle tecniche di smalto si incontrano, producendo collisioni interessanti e rinfrescanti.
L'artista spagnola di gioielli Montserrat Lacomba ha studiato e lavorato come illustratrice all'inizio della sua carriera, quindi il suo lavoro è fortemente pittorico; i suoi soggetti sono spesso impressioni di paesaggi o ispirati a fotografie di famiglia. Le sue opere enfatizzano l'espressione interiore, utilizzando spesso gli effetti speciali delle tecniche di smalto per ottenere colori intensi e texture uniche. La spilla illustrata nella Fig. 10-25 appartiene alla serie "In the Waves"; questa serie utilizza la tecnica dello smalto a secco, cospargendo di polvere di smalto secco una base di rame per creare un effetto simile a quello delle onde che bagnano una spiaggia.
Fig. 10-26 shows another of her series — a brooch from the “12 Moments in Life” series, which reflects memories of the twelve months of a year. The artist drew inspiration from old photographs and used enamel techniques to achieve painterly effects, marking particular feelings and experiences in life. Montserrat hopes to convey her emotions toward nature, landscape, and loved ones through this series. What Montserrat expresses through enamel is not only her observation of things but also her inner emotions and feelings. Thus, enamel is not limited to depicting an image; it can achieve broader, deeper expression.
Figure 10-25 Brooch from the "In the Waves" series
Figure 10-26 Brooch from the "12 Moments in Life" series
Jewellery artist Nicole Beck, now living in Munich, Germany, studied jewellery design in Germany and once apprenticed with Professor Otto Kunzli. Her works are extremely minimal in form and often use enamel techniques, but they rarely display the bright colours typical of traditional enamel technique. She often etches uneven textures or patterns onto the surface of her pieces, fires a thin layer of enamel over them, and then polishes. The enamel on the raised areas is partially abraded away to reveal the metal base, while the enamel in the recessed areas is preserved. In this way, on the surface of the work, the remaining enamel contrasts interestingly with the abraded, exposed metal—contrasts in surface texture as well as in colour and lustre. Most intriguing is that this special surface effect arises randomly during the making process and involves a great deal of chance. Even the artist cannot control their boundaries, size, or shape with absolute certainty. Figure 10–27 shows a brooch titled “One” from her “Dear Stranger” series; after polishing, the remaining enamel in the checkered recesses forms irregular, nearly diamond-shaped patterns, and on close inspection, the abraded enamel layers reveal subtle and varied stratifications and effects.
Figure 10–28 shows a brooch titled “Portrait” from Nicole Beck’s “What Was Preserved” series; the exposed pinholes can be clearly seen on the polished white glaze surface. For traditional enamel technique, such pinholes would unquestionably be considered defects, but in this piece, they become part of the work’s subtle tonality and are indispensable to it. The artist cleverly makes use of the uncertainties inherent in the enamel technique process to give her work a unique surface texture and colouration.
Figure 10-27 “Dear Stranger,” series brooch “One”
Figure 10-28 "What Was Preserved" series brooch "Portrait"
British jewellery designer Jacqueline Ryan’s works most often feature a single element repeated rhythmically throughout the piece, expressing the artist’s perception of nature and an abstracted refinement of that perception. Jacqueline Ryan says she is deeply fascinated by the ancient arts’ reverence for and love of nature, and hopes to achieve a timeless, singular, and original aesthetic through the arrangement of simple elements and flawless craftsmanship. All of her works use gold as the primary material, with simple opaque glazes fired onto the metal—such as white, cobalt blue, and turquoise—revealing both her mastery as a goldsmith and an artistic language that is extremely concise and pure. From these pieces, one can indeed sense the same ancient, mysterious quietude found in ancient Egyptian or Etruscan art. The brooch shown in Figure 10–30 imitates organic forms and structures from nature: several flower-like elements combine to form an irregular circular brooch. Each floral element is constructed from simple linear shapes, abstracted and distilled; the enamel is fired in the centres of the flowers, and it is a blue-green of somewhat low saturation. The work’s creative inspiration indeed comes from nature, but the entire piece is the artist’s refinement and re-presentation of nature, carrying strong subjectivity.
The brooch shown in Figure 10–31 is composed of many small shell-shaped elements with the inner surfaces fired with opaque cobalt-blue glaze. The numerous shell-shaped components face different directions, like marine creatures drifting with the currents, while simultaneously being arranged within a regular square frame. All of Jaqueline Ryan’s works are a direct response to nature combined with her design thinking—that is, a perfect union of feeling and thought. Jacqueline Ryan’s pieces show us another possibility: using the enamel technique need not be limited to vivid colouration or dazzling effects; enamel can also be used for a simple, restrained expression, as in Jaqueline Ryan’s work. Even using only a single colour, once the precise form is found, a work can possess a powerful impact.
Figure 10–30 Brooch
Figure 10–31 Brooch
Nora Kovats is a jewellery artist from South Africa. Perhaps because she is both a jewellery artist and an illustrator, Nora Kovats is very fond of enamel work, known for its colours; almost all of her pieces use enamel. Her jewellery is clearly painterly in its creation: forms are free, colours are rich and abundant. One can clearly feel that the creator treats jewellery as a vehicle for freely expressing the spirit, with enamel acting as the paint when she paints. The plants she loves, ingredients on the kitchen counter, and fleeting beautiful moments in life can all be recreated through the enamel glaze concentrated on the pieces — not reproducing a scene or an image, but a mood or a feeling.
The necklace “Feuerriff” shown in Figure 10–32 uses red and orange enamel glazes fired onto copper pieces shaped like plant forms — like leaves, or flowers, or fruits. Combined with warm-toned gemstones such as agate, chalcedony, and rubies, it brings a sense of warmth.
Figure 10–33 shows another necklace of hers, “Creatures of the Tidal Pool,” which is similar in style to the necklace above but evokes a completely different feeling. This piece has black glaze fired onto a copper base; the glaze surface is uneven, sparsely dotted with tiny fragments of opaque blue glaze, and set with uncut black tourmaline. The silver backing is antiqued to an even black. The dark tones and carefully treated details seem to display a gathering of strength in cold, dim places.
Figure 10-32 Pendant "Feuerriff"
Figure 10-33 Necklace "Creatures of the Tidal Pool"
