Cómo puede el esmalte revolucionar sus diseños de joyería: Ventajas, técnicas y aplicaciones
La relación entre el esmalte y el diseño de joyas
Colgante "Feuerriff
Índice
Sección I Ventajas e inconvenientes de la técnica del esmalte
De la definición de esmalte artesanal del artículo anterior se desprende que el esmalte y el metal deben fundirse en un solo cuerpo tras la cocción a alta temperatura para poder llamarse esmalte; en otras palabras, el esmalte depende del metal para existir. Esto determina la necesidad de combinar el esmalte con la joyería. El propio esmalte tiene propiedades de resistencia a altas temperaturas, resistencia a la oxidación y color duradero, y estas características hacen posible su combinación con joyas. Más allá de la posibilidad y la necesidad, la variedad de colores, el brillo y la textura del esmalte le confieren una posición única en joyería.
En cualquier época, el esmalte en las joyas es siempre un elemento de diseño atractivo. Cuando una pieza de joyería emplea técnicas de esmaltado, la mirada del espectador se siente invariablemente atraída hacia ella y se detiene. Incluso quienes desconocen por completo la artesanía del esmalte se quedan asombrados por sus encantadores colores y su brillo similar al de las piedras preciosas. La razón por la que el esmalte es tan atractivo y encarna una belleza distintiva es que el propio proceso de esmaltado posee algunas ventajas únicas e insustituibles.
(1) El esmalte y el metal se cuecen juntos a temperaturas superiores a 700°C, por lo que se adhieren con gran firmeza y resisten el desprendimiento; esta es la razón por la que algunas piezas esmaltadas pueden conservar el aspecto que tenían cuando se fabricaron hace siglos.
(2) Dado que el componente básico del esmalte vitrificado es el dióxido de silicio, similar al componente básico del vidrio, el esmalte cocido se vuelve vítreo, resistente a los ácidos y álcalis, y no se oxida.
(3) Tras la cocción, la superficie del esmalte es dura y tiene un brillo similar al del vidrio.
(4) Los esmaltes se presentan en una amplia gama de colores -transparentes, opacos, nacarados, etc.- que ofrecen mayores posibilidades para el diseño de joyas.
(5) Existen muchos tipos de técnicas de esmaltado; técnicas diferentes producen efectos visuales distintos, y se pueden combinar varias técnicas en una misma pieza para lograr resultados más ricos. Por lo tanto, el uso de la técnica del esmalte no sólo amplía las posibilidades de diseño, sino que también puede realzar enormemente el valor artesanal de una pieza de joyería.
Las ventajas mencionadas hacen que a los artistas y artesanos les encante utilizar la técnica del esmalte en sus obras. Sin embargo, para el diseño y la producción de joyas, la técnica del esmalte también tiene sus "puntos débiles", es decir, algunos inconvenientes que aumentan la dificultad de producción y afectan al resultado final.
(1) Las obras que requieran cocción deben tener todas las estructuras de soldadura terminadas antes de la cocción de la técnica del esmalte. Una vez cocidas las zonas esmaltadas, no se podrá soldar ninguna parte de la pieza con llama abierta; de lo contrario, el esmalte cocido se agrietará o decolorará. Si surge algún problema con una zona soldada después de la cocción, sólo podrá repararse mediante soldadura láser por puntos, que en sí misma tiene importantes limitaciones; además, las piezas preparadas para la cocción de esmalte requieren soldaduras a alta temperatura cuando se sueldan estructuras metálicas, y las uniones soldadas deben ser muy seguras para soportar las altas temperaturas durante la cocción.
(2) La soldadura utilizada en la soldadura tiene un gran impacto en el esmalte. La soldadura residual en la superficie metálica puede provocar cambios de color en el esmalte vitrificado, crear burbujas en el esmalte o incluso provocar grietas. La figura 10-1 muestra la parte posterior de una pieza, donde el esmalte alrededor de las juntas de soldadura se ha vuelto negro debido a la influencia de la soldadura. Por lo tanto, al soldar piezas metálicas, las técnicas de soldadura deben ser limpias y ordenadas; no deben quedar restos de soldadura en la superficie metálica fuera del cordón de soldadura. Si se observa una pequeña cantidad de residuo de soldadura, debe limpiarse con una fresa antes de cocer el esmalte.
(3) La composición básica del esmalte vitrificado es similar a la del vidrio, por lo que su peso tras la cocción también es similar al del vidrio. Dado que tanto el anverso como el reverso de una pieza requieren la técnica del esmalte, esto aumenta aún más el peso final. Como las joyas son un adorno que se lleva en el cuerpo, hay que tener en cuenta la comodidad, por lo que el peso del esmalte es un problema para la joyería. Los diseñadores deben tenerlo en cuenta en la fase de diseño reduciendo el área de esmalte o disminuyendo el número de capas de esmalte para minimizar el peso de la pieza.
(4) Aunque el esmalte tiene una dureza superficial relativamente alta, su resistencia al impacto es muy baja; es un material duro y quebradizo. Por eso, en los diseños de joyas que incluyen esmalte, es necesario proteger las partes metálicas para evitar el riesgo de que se astillen.
(5) El proceso de la técnica del esmalte es relativamente complejo; cuanto más complejo es el proceso, más largo es el tiempo de producción y mayor el coste de fabricación. Además, el proceso de la técnica del esmalte no es completamente controlable, y la tasa de fallos durante la producción es relativamente alta, lo que aumenta aún más los costes. Y lo que es más importante, el proceso de la técnica del esmalte no puede reproducir siempre el mismo color o efecto, por lo que si un producto requiere un alto grado de estandarización, es difícil lograr una verdadera producción en serie.
Cada técnica tiene sus puntos fuertes y sus puntos débiles. Un objetivo importante del estudio de una técnica es comprender plenamente sus puntos fuertes y débiles para poder aprovechar al máximo sus ventajas en el diseño y la producción y evitar o mitigar los posibles problemas. Se trata de un proceso que requiere una acumulación a largo plazo y repetidas pruebas de ensayo y error en el funcionamiento práctico, y también es un proceso de acumulación de experiencia muy valiosa.
Sección II Formas de combinar el esmalte con piezas metálicas
Si una obra de arte requiere el uso de técnicas de esmaltado, hay que tener en cuenta de antemano muchos detalles del proceso, como la estructura, el peso y los procedimientos. Cualquier pequeño descuido puede dar lugar a diversos problemas durante la fabricación y producción, causando pérdidas de materiales y tiempo.
En general, la adhesión del esmalte a los componentes metálicos puede conseguirse de las siguientes maneras.
(1) Aplicar el esmalte directamente sobre la pieza metálica. Si una pieza de joyería enfatiza los componentes metálicos, con una pequeña área de esmalte que sirve sólo como acento o decoración dentro de toda la pieza, el fabricante normalmente optará por cocer el esmalte directamente sobre la parte metálica ya terminada, como en el trabajo que se muestra en la Figura 10-2.
Supongamos que una pieza en bruto hecha a mano va a ser esmaltada posteriormente. En ese caso, se plantean mayores exigencias a la soldadura: se requiere que la superficie metálica esté completamente libre de restos de fundente, para que no afecte al color del esmalte, y que todas las uniones estén soldadas con gran solidez para soportar las altas temperaturas superiores a 700 grados Celsius necesarias para la cocción del esmalte. Si el cuerpo metálico de la joya se fabrica mediante fundición, pueden evitarse los posibles problemas causados por la soldadura.
Sin embargo, debido a que las piezas fundidas están hechas de aleación, tienden a producirse varios problemas durante la cocción del esmalte. Por ejemplo, las ampollas en la superficie del metal: la porción de metal mostrada en la Figura 10-3 desarrolló una superficie áspera y ampollada después de una única cocción en seco en el horno. Otro problema común en las piezas fundidas es el fallo local del metal para adherirse al esmalte; la obra mostrada en la Figura 10-4 tiene una zona en la que el esmalte siempre se desprende. A veces, los defectos de fundición en la placa base de metal provocan una decoloración localizada del esmalte después de la cocción o un color desigual del esmalte en toda la pieza. Estos problemas se deben a la presencia inevitable de impurezas o a una distribución desigual de los distintos metales.
Figura 10-3 Rugosidad y formación de ampollas en la superficie del metal causadas por defectos de fundición
Figura 10-4 Desprendimiento local del esmalte causado por defectos de colado
(2) Fijación de las piezas esmaltadas a la estructura metálica mediante fraguado. Supongamos que una joya se compone principalmente de piezas esmaltadas. En ese caso, significa que durante la producción hay que dar prioridad, en la medida de lo posible, a los requisitos de la técnica de esmaltado para evitar cualquier accidente que pudiera afectar a la cocción del esmalte, como restos de soldadura o impurezas en las piezas fundidas. En tales casos, el fabricante suele cocer las piezas de esmalte por separado y luego las coloca en la estructura principal, tratando de hecho las piezas metálicas de esmalte cocidas como si fueran piedras preciosas. Sin embargo, en comparación con las piedras preciosas, las piezas de esmalte suelen tener mayor superficie y peso, por lo que suelen utilizarse engastes de bisel o de garra; las técnicas para engastar piedras pequeñas, como el engaste brillante o el engaste gitano, no son adecuadas para el esmalte.
De lo anterior se desprende que los principales métodos de engaste del esmalte son el engaste en bisel, el engaste en garra y la combinación de ambos.
El engaste en bisel es el método más común para engarzar obras de esmalte, porque el bisel proporciona una buena protección a la superficie del esmalte. La figura 10-5 muestra un colgante del artista letón Sergejs Blinovs, que utiliza un engaste en bisel para fijar la parte esmaltada.
La ventaja de los engastes de púas es que cubren menos parte de la pieza, lo que permite presentar el esmalte de forma más completa. Además, los engastes de púas ofrecen una mayor flexibilidad y pueden acomodar obras de diversas formas. La figura 10-6 muestra un colgante de la artista canadiense Aurelie Guillaumede, que utiliza engastes tanto en la parte delantera como en la trasera para fijar las secciones de esmalte de la pieza.
Uno de los inconvenientes de los engastes con púas es que protegen relativamente poco el esmalte, por lo que algunos fabricantes combinan los engastes con bisel y con púas. Hacen varios cortes en el borde del bisel y empujan los pequeños segmentos de metal entre los cortes hacia el interior para que actúen como púas; esto protege el esmalte y maximiza la visualización del aspecto completo del esmalte, haciendo que la forma general de la pieza sea más completa. La figura 10-7 muestra obras de esmalte cloisonné de la artista estadounidense Sue Szabo; el método de engaste utilizado en estas piezas es una combinación de engaste en bisel y en púa.
Además de los métodos mencionados, algunos artistas del esmalte utilizan engastes montados en el reverso para resolver los problemas de engaste, colocando biseles o garras en el reverso de la pieza para garantizar que el anverso permanezca bello e intacto.
Figura 10-6 Colgante
Figura 10-7 Esmalte cloisonné
(3) Utilice remaches o tornillos para fijar las partes esmaltadas a las partes metálicas. Además de los métodos de engaste habituales, se pueden utilizar remaches o tornillos para unir y fijar las partes esmaltadas a las partes metálicas de las piezas de joyería. Ambos métodos requieren dejar agujeros en la base metálica para los remaches o tornillos antes de cocer el esmalte. Durante el proceso de cocción, tenga cuidado de no dejar que el esmalte fluya por los agujeros reservados; después de la cocción, tenga mucho cuidado al remachar o atornillar para no dañar la superficie del esmalte. Por ejemplo, en los pendientes de la Fig.10-8, la parte semiesférica de esmalte cloisonné está unida al cuerpo principal por la parte posterior con pequeños tornillos.
Sección III Aplicación de técnicas de esmaltado en joyería
En realidad, la joyería es una categoría muy amplia. Desde una perspectiva profesional, la joyería puede subdividirse en joyería comercial, joyería a medida de alta gama, joyería artística moderna, etc.
(1) La joyería comercial se refiere específicamente a las piezas diseñadas y producidas con vistas a la venta en el mercado y a los consumidores en masa; incluye tanto los artículos artesanales como los producidos en fábrica. Los materiales utilizados son principalmente oro y plata, piedras preciosas o semipreciosas, y las técnicas elegidas deben tener en cuenta los ratios de coste y beneficio, así como la idoneidad para la producción en serie.
(2) La joyería a medida de alta gama se refiere a las piezas de joyería de alta gama diseñadas a medida por marcas de lujo para clientes privados; los materiales elegidos suelen ser metales preciosos costosos y piedras preciosas de primera calidad, por lo que la joyería a medida de alta gama exige unos niveles muy altos de artesanía.
(3) Existe otra categoría bastante especial de joyas llamada "joyería artística moderna". La joyería artística moderna difiere de las nociones tradicionales de joyería: su diseño y creación no están orientados a la venta en el mercado, ni siguen necesariamente las normas estéticas tradicionales; en cambio, hacen hincapié en la expresión personal del artista o diseñador. En comparación con la joyería comercial y la joyería de alta costura, los temas y materiales de la joyería artística moderna casi no están sujetos a ninguna norma, y la comodidad de uso no es necesariamente una consideración primordial (este punto sigue siendo controvertido). Los creadores de joyería artística moderna suelen ser artistas independientes, diseñadores autónomos o profesores y estudiantes de programas de joyería.
Entre estas categorías de joyas, la técnica del esmalte es la más utilizada sin tener en cuenta el coste en la joyería a medida de alta gama y en la joyería de arte moderno; para la joyería comercial, la técnica del esmalte es demasiado cara, produce beneficios limitados y no es adecuada para la producción en serie.
A continuación se analizan las aplicaciones de la técnica del esmalte en la joyería a medida de alta gama y en la joyería artística moderna, respectivamente.
1. Técnicas de esmaltado en joyería de alta gama a medida
Desde el momento en que nacieron las técnicas del esmalte, han sido procesos raros y costosos, inadecuados para la producción en serie y la joyería destinada al consumo popular; las propias características técnicas del esmalte así lo determinan.
Las piezas chinas de cloisonné en nuestro país son una excepción: desde la fundación de la República Popular hasta la década de 1990, alcanzaron brevemente la producción en masa y precios relativamente asequibles. Sin embargo, ese enfoque también hizo que los diseños y la fabricación dejaran de estar totalmente controlados por artesanos cualificados, lo que permitió la entrada en el mercado de algunos productos toscos y de calidad inferior y provocó que nuestra industria del cloisonné cayera en picado después de la década de 1990. Con el reciente énfasis nacional en la preservación del patrimonio cultural inmaterial, algunos artesanos tradicionales han empezado a reajustar el posicionamiento del cloisonné en el mercado, redescubrir y organizar las técnicas tradicionales y optimizar el diseño y la artesanía para restaurar el estatus artesanal del cloisonné. Como resultado, en los últimos años han resurgido gradualmente algunas excelentes marcas de cloisonné y productos de cloisonné de alta calidad.
Actualmente, la mayoría de los productos de cloisonné en nuestro país son grandes piezas decorativas; los artículos de esmalte de alta temperatura en el campo de la joyería son relativamente raros. Las joyas de esmalte que solemos ver con encanto suelen ser piezas de museo o diseños de edición limitada lanzados por grandes marcas de joyería.
A continuación se muestran algunas conocidas piezas de esmalte de marcas de joyería de alta gama.
El reloj Lady Arpels Ballerine Enchantée de Van Cleef & Arpels (ver imágenes en la página de esmaltes del sitio web oficial de Van Cleef & Arpels China) utiliza oro blanco K y técnicas de esmalte guilloché. El fondo emplea el esmalte guilloché para crear patrones texturados sobre una base de oro blanco K. A continuación, se cuece el esmalte transparente azul-púrpura, produciendo ricos efectos texturados y reflectantes. El vestido del hada utiliza la técnica del esmalte champlevé.
El brazalete Croisillon de esmalte blanco de Tiffany & Co. (Schulmberger) (véanse las imágenes en el sitio web oficial de Tiffany Co., colección Tiffany & Co. Schulmberger collection) está realizada con esmalte blanco sobre oro de 18 quilates. Esta serie de brazaletes de esmalte se lanzó por primera vez en 1962, diseñada por Jean Schulmberger, utilizando oro de 18 quilates, diamantes y técnicas de esmaltado. A Jean Schulmberger le gustaban los motivos naturales vivos, como la vida marina, las plantas, los peces y los pájaros, por lo que el esmalte era una técnica que utilizaba con frecuencia.
Los relojes de bolsillo esmaltados de Patek Philippe utilizan a menudo esmalte pintado tanto en la caja como en la esfera, es decir, un motivo de esmalte pintado en la esfera y un motivo diferente en la caja. Las decoraciones de esmalte pintado de Patek Philippe en los relojes de bolsillo están exquisitamente realizadas, ricamente detalladas y delicadamente armonizadas en color. En el sitio web oficial de Patek Philippe en China, hay una página llamada "Rare Handcrafts Collection" que incluye una sección dedicada al esmalte donde se pueden ver relojes de bolsillo decorados con esmalte pintado.
La figura 10-9 muestra un anillo de esmalte fabricado por la marca rusa de joyería Ilgiz F. La marca fue fundada en 1992 por el joyero ruso Ilgiz Fazulzyanov. Ilgiz Fazulzyanov participa personalmente en todas las etapas, desde el diseño hasta la producción; es experto en el uso de múltiples técnicas de esmaltado en sus piezas y adepto a la combinación de diversos métodos de trabajo del metal.
Por ejemplo, en el anillo de esmalte de la Figura 10-10, se utilizaron varias técnicas de esmaltado según los requisitos del diseño, como el esmalte champlevé, el esmalte plique-à-jour y el esmalte pintado. Estas técnicas se mezclan de forma extremadamente natural, sin ninguna sensación de exageración. Las obras de Ilgiz F. combinan a la perfección la máxima belleza formal, una estructura intrincada y una artesanía soberbia, demostrando el excepcional control del diseñador.
La técnica del esmalte en la joyería a medida de alta gama se convierte a menudo en el punto culminante de toda la pieza. El esmalte, con sus colores y texturas irremplazables y su calidad artística única, es una de las técnicas preferidas de muchos diseñadores. Con él, los diseñadores pueden expresar con mayor libertad sus temas preferidos, dar forma a estilos de diseño distintivos y aportar un aire fresco y romántico a la joyería de alta gama tradicional y sujeta a reglas.
Figura 10-9 Anillo de esmalte fabricado por Ilgiz F.
Figura 10-10 Anillo de esmalte producido por Ilgiz F
2. Técnicas de esmaltado en la joyería de arte moderno
La joyería artística moderna difiere de la tradicional en que se centra principalmente en la autoexpresión del artista o diseñador. Los metales preciosos y las piedras preciosas utilizados habitualmente en la joyería tradicional imponen muchas limitaciones al diseño y son insuficientes para transmitir plenamente las emociones sutiles y complejas de los diseñadores; también son menos adecuados para la narración narrativa o situacional y a menudo restringen la libertad creativa. La técnica del esmalte, sin embargo, ofrece una gran plasticidad y libertad creativa, y las piezas acabadas tienen una resistencia y durabilidad ideales, por lo que resulta muy adecuada para crear joyería artística moderna. Además, la joyería artística moderna suele crearse como piezas únicas y no en serie, lo que coincide con el hecho de que la técnica del esmalte no puede reproducir siempre el mismo color o efecto. Dado que la joyería artística moderna suele ser única, el coste relativamente elevado de la técnica del esmalte resulta aceptable. Por lo tanto, la técnica del esmalte es una técnica que se adopta a menudo en el campo de la joyería artística moderna.
Los artistas que trabajan libremente con la técnica del esmalte pueden dividirse generalmente en dos tipos: tradicionales y experimentales de vanguardia. Los artistas tradicionales se centran más en el uso de técnicas de esmalte clásicas, esforzándose por mostrar plenamente la excelencia de los esmaltes y la técnica artesanal del esmalte en sus obras; su estilo visual tiende hacia lo estético, y el estilo general de sus joyas se inclina más hacia la joyería tradicional. Los artistas experimentales de vanguardia, por el contrario, realizan obras más modernas en forma y estructura. No se conforman con los materiales y técnicas tradicionales, ni dan prioridad únicamente a la belleza y la comodidad, sino que ponen más énfasis en transmitir conceptos. La técnica del esmalte en sus obras a menudo explota hábilmente la imprevisibilidad, la contingencia y la naturaleza experimental del proceso de la técnica del esmalte, utilizando incluso algunos defectos que se producen durante la cocción tradicional para lograr efectos muy especiales. Así, la presentación de la técnica del esmalte en sus piezas difiere mucho de la de la joyería tradicional: los creadores ya no se concentran únicamente en cocer el esmalte hasta conseguir el estado más completo y perfecto, sino que conservan muchos efectos especiales accidentales y lúdicos, como efectos de color inusuales y texturas superficiales únicas, ampliando así la capacidad expresiva de la técnica del esmalte.
Los siguientes artistas pertenecen al tipo tradicional. Desde hace muchos años, se dedican a la creación de joyas de esmalte cloisonné. Estos artistas comparten el rasgo común de ser extremadamente hábiles en la artesanía, expertos en controlar con precisión los colores de los esmaltes y atentos a la perfecta presentación del esmalte en sí.
Don Viehman es un esmaltador estadounidense. Desde que empezó a experimentar con el cloisonné en 1979, lo ha convertido en su principal dirección creativa y ha invertido en él una gran pasión. Las obras de Don Viehman se realizan generalmente creando diseños en oro de 24 quilates sobre una base de plata de ley, para luego rellenarlos con esmaltes transparentes y semitransparentes. Mediante el uso de degradados entre distintos colores y la aplicación repetida de varias capas finas de esmalte, crea ricas relaciones cromáticas y maravillosos efectos de luces y sombras. Don Viehman es particularmente hábil en la producción de transiciones suaves entre colores, creando una sensación de profundidad espacial a través de contrastes de luz y oscuridad, y de luces y sombras. Las figuras 10-11 muestran uno de sus tapices decorativos de esmalte cloisonné; esta pieza hace muy evidente esa sensación de espacio. Las figuras 10-12 muestran un broche de esmalte cloisonné; en esta obra, podemos ver cómo Don Viehman utiliza la gradación del color para tratar las complejas estructuras de un rostro humano.
Figura 10-11 Colgante de pared decorativo de esmalte cloisonné
Figura 10-12 Broche de esmalte cloisonné
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También es muy hábil con los rojos y los negros. Por ejemplo, en el broche de la figura 10-14, la imagen es un primer plano de la cabeza de un tigre, con casi tres cuartas partes de la superficie rellenas de tonos rojos ricos y saturados, acentuados por rayas negras y pelaje blanco, que crean contrastes de escaso y denso, simple y complejo, realista pero artístico.
Además de su dominio de las técnicas del esmalte, Merry-Lee Rae presta gran atención a la estética general de las piezas. En el colgante titulado "New Octopus" que se muestra en la figura 10-15, el motivo central es un pulpo que agita sus tentáculos, representados en púrpuras sutilmente cambiantes; el soporte metálico bajo el colgante está formado por líneas curvas, una de las cuales está tratada como un tentáculo de pulpo que se extiende hacia fuera de la forma principal; un granate engastado bajo el colgante se hace eco de los colores del motivo central. Toda la obra parece cohesionada, como si respirara suavemente al compás de un ritmo compartido.
Figura 10-14 Broche
Figura 10-15 Colgante "Nuevo Pulpo"
Jean Francois Dehays es un artista del esmalte que vive actualmente en Limoges (Francia). Lleva muchos años dedicándose profesionalmente a la técnica del esmalte y fue presidente de la Asociación de Artesanos del Esmalte de Limoges. Sus obras muestran diversas técnicas de esmaltado, como el esmalte champlevé, basse-taille y cloisonné. La figura 10-18 muestra un panel decorativo de esmalte champlevé de Jean Francois Dehays, que representa a unos cazadores cazando un jabalí en un bosque. Este panel decorativo utiliza la técnica del grabado champlevé, con colores vivos y fuertes contrastes, y la imagen desprende una atmósfera inocente y sencilla.
Jean Francois Dehays disfruta mucho creando pequeños paneles de esmalte que reflejan la vida cotidiana; la figura 10-19 es otro panel decorativo de esmalte cloisonné que creó y que también representa una escena de la vida rural. La imagen muestra una escena común en la campiña francesa: ovejas sobre la hierba. En esta pintura esmaltada, utiliza las técnicas del cloisonné y de la basse-taille: la zona de hierba se texturiza primero en la base metálica y luego se cuece con esmaltes transparentes para crear un efecto moteado en el césped, y se utilizan alambres cortos doblados irregularmente para formar la lana de las ovejas, a la vez realista y decorativa. En comparación con los artistas presentados anteriormente, el enfoque creativo de Jean-François Dehays es más libre y robusto, lo que está relacionado con su larga vida en el campo; sus obras transmiten el ocio y la alegría de la vida rural francesa.
Figura 10-18 Pintura decorativa con esmalte champlevé
Figura 10-19 Pintura decorativa con esmalte cloisonné
La esmaltadora británica Ruth Ball utiliza a menudo las técnicas del cloisonné y el esmalte basse-taille en sus obras. Sus piezas incluyen joyas, vajillas, tapices y jarrones, obras de arte expositivas inspiradas en sus observaciones y sentimientos sobre la vida. Ya sea por la forma, el color o los elementos simbólicos de las obras, todas ellas se remontan a las emociones que el mundo exterior evoca en la artista. Sin excepción, sus obras adoptan contornos externos extremadamente simples, contrastados por texturas superficiales ricamente tratadas y los colores sobrios del esmalte.
Las figuras 10-21 y 10-22 muestran obras de sus series "Costa": "Medianoche y niebla" y "Guijarro largo". En esta serie, la artista talla a mano texturas delicadas y densas en planchas de plata para imitar las estrías naturales de las conchas, y luego las recubre con esmaltes azul-púrpura que pasan uniformemente de profundos a claros. El efecto es sobrio e invita a la reflexión, como dice la propia artista Ruth Ball: "Las cosas pequeñas se convierten en preciosas debido a recuerdos y emociones únicos, del mismo modo que una artesanía soberbia y un diseño inteligente confieren a las obras de formas sencillas un valor inconmensurable."
Figura 10-21 Serie "Costa" "Medianoche y niebla"
Figura 10-22 Serie "Línea de costa" "Guijarro largo"
Figura 10-23 Ciudad X
Figura 10-24 Colgante de invierno
Todos los artistas presentados anteriormente son esmaltadores de renombre internacional que llevan mucho tiempo creando obras de esmalte. Se refieren a sus piezas como esmalte artístico moderno para distinguirlas de los esmaltes realizados siguiendo métodos totalmente tradicionales, pero, de hecho, su práctica sigue ciñéndose estrictamente a las técnicas tradicionales del esmalte, con la perfección técnica como objetivo importante.
Entre los artistas independientes del esmalte, también los hay deseosos de probar nuevas direcciones, a los que podemos llamar experimentalistas de vanguardia. Las técnicas de esmaltado utilizadas en las obras de estos artistas, tanto en el método como en la presentación, difieren mucho de la artesanía tradicional del esmalte. Las obras adoptan formas más libres y presentan un efecto más ligero y relajado. De las obras se desprende claramente que estos artistas persiguen la variedad y serendipia del esmalte; la relación entre el esmalte y el metal, y los contrastes entre el esmalte y otros materiales, son elementos que les gusta explotar. En estas piezas, el enfoque improvisado de la joyería artística moderna, su originalidad y la imprevisibilidad de las técnicas del esmalte se encuentran, produciendo colisiones interesantes y refrescantes.
La joyera española Montserrat Lacomba estudió y trabajó como ilustradora al principio de su carrera, por lo que su obra tiene un marcado carácter pictórico; sus temas suelen ser impresiones de paisajes o inspirarse en fotografías familiares. Sus obras hacen hincapié en la expresión interior, utilizando con frecuencia los efectos especiales de las técnicas del esmalte para conseguir colores intensos y texturas únicas. El broche de la Fig. 10-25 pertenece a su serie "En las olas"; en esta serie utiliza la técnica del esmalte en seco, espolvoreando polvo de esmalte seco sobre una base de cobre para crear un efecto parecido al de las olas bañando una playa.
La Fig. 10-26 muestra otra de sus series: un broche de la serie "12 momentos de la vida", que refleja recuerdos de los doce meses de un año. La artista se inspiró en fotografías antiguas y utilizó técnicas de esmalte para conseguir efectos pictóricos, marcando sentimientos y experiencias particulares de la vida. Con esta serie, Montserrat pretende transmitir sus emociones hacia la naturaleza, el paisaje y sus seres queridos. Lo que Montserrat expresa a través del esmalte no es sólo su observación de las cosas, sino también sus emociones y sentimientos internos. Así, el esmalte no se limita a representar una imagen, sino que puede lograr una expresión más amplia y profunda.
Figura 10-25 Broche de la serie "En las olas
Figura 10-26 Broche de la serie "12 momentos de la vida
La artista Nicole Beck, que vive actualmente en Múnich (Alemania), estudió diseño de joyas en Alemania y fue aprendiz del profesor Otto Kunzli. Sus obras son extremadamente minimalistas en cuanto a la forma y a menudo utilizan técnicas de esmaltado, pero rara vez muestran los colores brillantes típicos de la técnica tradicional del esmalte. A menudo graba texturas o motivos irregulares en la superficie de sus piezas, les aplica una fina capa de esmalte y luego las pule. El esmalte de las zonas elevadas se desgasta parcialmente para revelar la base de metal, mientras que el de las zonas hundidas se conserva. De este modo, en la superficie de la obra, el esmalte restante contrasta de forma interesante con el metal desgastado y expuesto: contrastes en la textura de la superficie, así como en el color y el brillo. Lo más intrigante es que este efecto especial de la superficie surge aleatoriamente durante el proceso de fabricación e implica una gran dosis de azar. Ni siquiera el artista puede controlar con absoluta certeza sus límites, tamaño o forma. La figura 10-27 muestra un broche titulado "Uno" de su serie "Querido desconocido"; tras el pulido, el esmalte restante en los huecos ajedrezados forma dibujos irregulares, casi romboidales, y si se observa de cerca, las capas de esmalte desgastado revelan estratificaciones y efectos sutiles y variados.
La figura 10-28 muestra un broche titulado "Retrato" de la serie "Lo que se conservó" de Nicole Beck; los agujeros de alfiler expuestos pueden verse claramente en la superficie de esmalte blanco pulido. En la técnica tradicional del esmalte, estos agujeros se considerarían sin duda defectos, pero en esta pieza forman parte de la sutil tonalidad de la obra y le son indispensables. La artista aprovecha hábilmente las incertidumbres inherentes al proceso de la técnica del esmalte para dar a su obra una textura superficial y una coloración únicas.
Figura 10-27 "Querido desconocido", broche de la serie "Uno"
Figura 10-28 Broche de la serie "Lo que se conservó" "Retrato"
Las obras de la diseñadora de joyas británica Jacqueline Ryan suelen presentar un único elemento que se repite rítmicamente a lo largo de la pieza, expresando la percepción que la artista tiene de la naturaleza y un refinamiento abstraído de esa percepción. Jacqueline Ryan afirma estar profundamente fascinada por la reverencia y el amor a la naturaleza de las artes antiguas, y espera conseguir una estética atemporal, singular y original mediante la disposición de elementos sencillos y una artesanía impecable. Todas sus obras utilizan el oro como material principal, con sencillos esmaltes opacos cocidos sobre el metal -como el blanco, el azul cobalto y el turquesa- que revelan tanto su maestría como orfebre como un lenguaje artístico extremadamente conciso y puro. En estas piezas se percibe la misma quietud antigua y misteriosa del arte egipcio o etrusco. El broche de la figura 10-30 imita formas y estructuras orgánicas de la naturaleza: varios elementos florales se combinan para formar un broche circular irregular. Cada elemento floral está construido a partir de formas lineales simples, abstraídas y destiladas; el esmalte está cocido en los centros de las flores, y es de un azul verdoso de saturación algo baja. La inspiración creativa de la obra procede efectivamente de la naturaleza, pero toda la pieza es el refinamiento y la re-presentación de la naturaleza por parte de la artista, cargada de una fuerte subjetividad.
El broche de la figura 10-31 está compuesto por numerosos elementos pequeños en forma de concha con las superficies interiores cocidas con vidriado azul cobalto opaco. Los numerosos elementos en forma de concha miran en distintas direcciones, como criaturas marinas a la deriva con las corrientes, al tiempo que están dispuestos dentro de un marco cuadrado regular. Todas las obras de Jaqueline Ryan son una respuesta directa a la naturaleza combinada con su pensamiento sobre el diseño, es decir, una unión perfecta de sentimiento y pensamiento. Las piezas de Jacqueline Ryan nos muestran otra posibilidad: el uso de la técnica del esmalte no tiene por qué limitarse a colores vivos o efectos deslumbrantes; el esmalte también puede utilizarse para una expresión sencilla y contenida, como en la obra de Jaqueline Ryan. Incluso utilizando un solo color, una vez encontrada la forma precisa, una obra puede poseer un poderoso impacto.
Figura 10-30 Broche
Figura 10-31 Broche
Nora Kovats es una artista sudafricana de la joyería. Quizá porque es a la vez artista joyera e ilustradora, a Nora Kovats le gusta mucho el trabajo del esmalte, conocido por sus colores; casi todas sus piezas utilizan esmalte. Sus joyas son claramente pictóricas: las formas son libres, los colores ricos y abundantes. Se percibe claramente que la creadora trata la joyería como un vehículo para expresar libremente el espíritu, y el esmalte actúa como la pintura cuando pinta. Las plantas que ama, los ingredientes de la encimera de la cocina, los momentos fugaces y bellos de la vida pueden recrearse a través del esmalte concentrado en las piezas, no reproduciendo una escena o una imagen, sino un estado de ánimo o un sentimiento.
El collar "Feuerriff" de la Figura 10-32 utiliza esmaltes rojos y naranjas cocidos sobre piezas de cobre con formas vegetales, como hojas, flores o frutos. Combinado con piedras preciosas de tonos cálidos, como ágatas, calcedonias y rubíes, aporta una sensación de calidez.
La figura 10-33 muestra otro collar suyo, "Creatures of the Tidal Pool", de estilo similar al anterior, pero que evoca una sensación completamente distinta. Esta pieza tiene esmalte negro cocido sobre una base de cobre; la superficie del esmalte es irregular, salpicada de pequeños fragmentos de esmalte azul opaco y engastada con turmalina negra en bruto. El soporte de plata está envejecido hasta alcanzar un negro uniforme. Los tonos oscuros y los detalles cuidadosamente tratados parecen mostrar una acumulación de fuerza en lugares fríos y sombríos.
Figura 10-32 Colgante "Feuerriff
Figura 10-33 Collar "Criaturas del estanque de marea"
